¿Son los animales personas?

Oso: -¿Qué significa ese disparate?
Rata: Pero, ¿es que no entiendes? El mundo es de los ambiciosos. Iremos al mundo del arte, parece que ahí se está cociendo algo… - Acción – cultura – ¡dinero!
Oso: ¿Hay trabajo?
Rata: No, dinero
Oso: Pero, ¿Cómo?
Rata: ¿Con…engaño? ...en el mundo del arte…, nos forraremos y haremos como los demás. Sólo que mucho mejor. Es verdad que no entendemos ni jota de eso, pero todo se andará…, haremos un viajecito de estudios”

Los artistas suizos Peter Fischli (1952) y David Weiss (1946) comenzaron a trabajar juntos a finales de los años 70. Sus trabajos, centrados en las cosas banales de la vida, son enormemente irónicos y escépticos. Con humor cuestionan la realidad, lo que ha llegado a ser el arte y nuestro papel como espectadores. Sus obras construidas artesanalmente con materiales pobres están llenas de sinceridad. Desde su participación en la documenta 8 son conocidos internacionalmente. Sus videos se exhiben en los museos más importantes del mundo.

En 1981 crean a partir de unos disfraces encontrados en un estudio de Hollywood, a los personajes Oso y Rata que protagonizaran diversas películas rodadas en 16mm. Estos animales representan bien a las personas, como si de una fábula moderna se tratase. La sencillez es solo aparente y detrás hay una cuidadosa preparación. Los diálogos se graban en un estudio con actores y la música creada por el compositor Stephan Wittwer, tiene gran importancia.

En la primera película “La menor resistencia” de 1981, Oso y Rata están en Los Ángeles y son amigos mal avenidos. Ambos deciden hacerse artistas, luego detectives y finalmente filósofos con la única motivación de hacerse ricos y famosos.

Una segunda entrega "El camino correcto" de 1983, transcurre en los Alpes suizos. Los dos compañeros habrán de sobrevivir en la naturaleza superando sus diferencias y sufriendo las adversidades pero también disfrutando del paisaje y de su mutua compañía.

La última película “Oso y Rata” de 2008 es una crítica a la alta cultura, está filmada en el Palazzo Litta de Milán y en ella estos dos personajes son sometidos a constantes cambios de tamaño.

Tiempo muerto

Claire Morgan nació en Belfast en 1980. Su trabajo se centra principalmente en el área de la escultura y las instalaciones, aunque el dibujo juega un papel importante en la preparación de las mismas. La artista trabaja frecuentemente con elementos orgánicos y materiales naturales (hojas, semillas, moscas, aves y animales) que coloca cuidadosamente suspendidos de finos hilos de nylon para representar un instante congelado de tiempo. De manera precisa repite este proceso cada vez que una pieza se exhiben en un lugar diferente.

En las obras de esta artista se plantea el encuentro dramático y conflictivo entre el hombre y la Tierra. Lo más grande es ese intento de sacar a la luz y dar visibilidad al reino oculto de la naturaleza que aparece siempre amenazado y al borde del colapso. Una crítica implícita de como el mundo contemporáneo ha maltratado reiteradamente al mundo natural. Y aunque la catástrofe parece inevitable e inminente, en este tiempo muerto se nos ofrece la posibilidad de reflexionar, de detener la caída y retornar al origen de las cosas.

La obra Fluid de 2009 esta compuesta de un cuervo disecado, anzuelos, nylon y fresas que hay que colocar en el último momento antes de su inauguración. Esta pieza habla de la vida y la muerte y del paso del tiempo. La artista nos la describe así: "Al principio las fresas están frescas y se ven bonitas, pero con el tiempo cambiaran mucho y el pájaro que pasaba desapercibido se convertirá en la parte más llamativa de la obra. Este pájaro ahora disecado murió atropellado por un coche, una de sus alas estaba rota, así estaba cuando lo encontré y así aparece en esta obra."

                      

La copia de una copia de una copia

 

"Una memoria de un tiempo o un lugar no es ese tiempo o ese lugar"

Thomas Demand (Munich, 1964) trabaja con imágenes de sucesos publicadas en la prensa y que forman parte de la memoria colectiva.  Primero reconstruye el lugar en papel y cartón eliminando textos, detalles banales y personas. Después lo fotografía de nuevo cuidando especialmente la  iluminación. Por último la maqueta es destruida. Se convierte de este modo en pintor, escultor, fotógrafo y narrador. 

Todo acontecimiento no es sino simulacro, copia de una copia capaz de ser re-producido a un ritmo endemoniado. Lo que hace el artista es algo más que una recreación. "Es más lo que no está, lo que queda disuelto en el proceso, que lo que queda aún como residuo representable". En su trabajo se plantean aspectos relacionados con la verisimilitud, la fiabilidad de nuestra percepción y se cuestiona el modo en como el espectador se enfrenta a la verdad.

En Embassy de 2007 recrea distintos espacios de la Embajada de Nigeria en Roma, asaltada en extrañas circunstancias en 2001 y en la que desaparecieron sellos oficiales e impresoras.  Es en este lugar en el que supuestamente se encontraron varios documentos relativos al contrabando de uranio, que el Gobierno de EE.UU. utilizó dos años después para justificar la invasión de Irak.

Aquel que lee los días

La obra del artista conceptual On Kawara está asociada a la noción de tiempo. Una fecha señala momentos importantes en las vidas de cada uno, de sus seres queridos o de su comunidad. Su obra marca los días que ha vivido y se articula en torno a un puñado de series creativas que no tienen fin.

Apenas sabemos de este japonés residente en Nueva York. El artista viaja constantemente por todo el mundo puesto que considera el hecho de desplazarse como una forma de conocimiento. No da entrevistas,  jamás asiste a las inauguraciones y no existen fotos de él. La única biografía aparecida en un catalogo de una exposición de 1974 dice escuetamente: "On Kawara, artista japonés, 25.712 días."

Uno de sus trabajos más personales es "I got up", que desarrolla de forma continuada entre 1968 y 1979. Cada día envió a dos amigos una tarjeta postal con un sello marcando la hora exacta en que se levantó. La frecuencia de recepción fue irregular llegando a veces una de vez en cuando y otras veces cientos seguidas. Las tarjetas van dejando un rastro de su deambular por el mundo así como un registro de horas dispares.

Podría parecernos esta obra absolutamente banal. Pero es precisamente este vacío que lo contiene todo. No hay nada más significativo que el tiempo mismo y la memoria de su transcurrir. De forma sencilla y elegante, Kawara crea una compleja meditación sobre el tiempo, la existencia y la relación entre el arte y la vida.

Equilibrio inestable

"Una galería es una estructura de poder. Mi trabajo tiene una actitud crítica frente a ese poder. Esto es lo que yo llamo la política en mi trabajo".

Desde Rumania,  el artista minimalista y conceptual André Cadere llegó a París en los años 60. Su obra básicamente consiste en unas 180 barras de madera circulares, creadas en su totalidad en los últimos ocho años de su corta carrera como artista.  La barra puede estar en cualquier lugar que el artista desee y  llevándosela  al hombro, la liberó de los confines del espacio de la galería. Esta condición nómada de sus obras le permitió probar otros modos de funcionamiento del mundo del arte.

Crítico con la perfección idealista de los objetos fabricados, él realizaba cada pieza de forma manual. A pesar de su apariencia humilde, la producción de las barras se basó en un sistema de combinaciones matemáticas que implica una interacción cuidadosamente calculada de color y de error a nivel de los segmentos cilíndricos que componen cada pieza. Su trabajo cuestiona el poder de la galería de arte y supone un esfuerzo por lograr la independencia y autonomía con respecto a las instituciones oficiales del arte.

Su prematura muerte en 1978 lo ha colocado en un lugar marginal en el mundo del arte. Esta falta parcial de reconocimiento es, sin duda debida a su condición de emigrado desde un país comunista pero también a la feroz crítica que practicó de los límites del sistema del arte, negándose siempre a dejarse absorber por su mecanismo.

 

Directamente a mi corazón

"De pie, uno frente al otro, en la posición programada. Mirándonos a los ojos. Tengo un arco y Ulay sostiene su cuerda con la flecha que apunta directamente a mi corazón. Micrófonos instalados en ambos corazones registran la frecuencia creciente de los latidos."

Hija de partisanos y nieta de un santo, la artista serbia  Marina Abramovic es la más grande artista de las performances. En los años 70 comienza sus acciones entendidas como rituales purificadores. Su trabajo desconcertante y a veces brutal es una forma de investigar acerca del control de la mente y los limites de la resistencia del cuerpo como único modo de hacernos más libres. Algunas acciones en las que pone en riesgo su vida, solo concluyen cuando interviene el público puesto a prueba ante la contemplación del dolor y el sufrimiento.

En Ámsterdam, conoce al artista alemán Ulay que había nacido el mismo día que ella. Ambos viven y colaboran durante doce años. Es con él que realiza Rest Energy en 1980. La relación artística entre ambos nos regaló otros muchos momentos inolvidables. Finalmente tras varios años de tensión, se separaron definitivamente tras recorrer durante 90 días la Gran Muralla China. A modo simbólico, caminaron uno hacia el otro desde los extremos opuestos de la muralla hasta por fin encontrarse, para después sencillamente volver a separarse esta vez para siempre.

La Abuela del Arte de la Performance sigue trabajando en solitario. En 1997 recibió en La Bienal de Venecia el León de Oro a la mejor artista.
    

El museo de los cien días

El evento artístico más importante del mundo es sin duda la documenta. Tiene lugar desde los años 50 en la pequeña ciudad alemana de Kassel y se celebra cada cinco años (al principio fue cada cuatro). También se la conoce como el “Museo de los cien días" por ser esta la duración de la muestra.

La documenta 1 fue idea de Arnold Bode  como parte de la Exposición Nacional de Jardinería de 1955. Bode quería acercar el arte a la gente, sobre todo a los obreros. Se trató de una retrospectiva de la Modernidad clásica (años 20 y 30), que había sido difamada por los Nazis como arte "degenerado", incluyendo también algunas obras contemporáneas. En la muestra que fue un éxito se pudieron ver a  la mayoría de los artistas que hoy se consideran modernos como Picasso o Kandinsky.

Cada edición de la documenta supone un proyecto único. Se designa a un director artístico que durante 5 años ha de trabajar junto a otros tantos comisarios para dar forma a las distintas exposiciones que ocuparan diversos edificios y espacios públicos de la ciudad. En cada muestra se reflejan las influencias artísticas, filosóficas, políticas y sociales que han marcado ese lusto. Esto le da un carácter excepcional no exento de cierta controversia.

La muestra ha vivido momentos memorables como en la documenta 7 de 1982 en la que Joseph Beuys plantó 7.000 robles cada uno junto a una losa de basalto. La obra le llevó años realizarla y ha transformado de forma permanente el paisaje de Kassel.

En la documenta 11 de 2002, la primera tras los atentados del 11S y la primera con un director artístico no europeo  puso foco sobre problemas sociales, culturales y políticos en un mundo post-colonial en la que se incluyeron multitud de artistas desconocidos para la visión hegemónica occidental provenientes de Oceanía, Sudamérica, Asia. Esta edición fue muy discutida y para muchos supuso un fracaso.

El director artístico de la documenta 12 de 2007, Roger-Martin Buergel estructuró la muestra alrededor de tres hilos conductores que tenían forma de pregunta: ¿Es la modernidad nuestra antigüedad?, preguntando por el sentido actual de la Modernidad; ¿Qué es la vida desnuda?, que se refiere a la fragilidad física de la persona y evoca las experiencias límite de la tortura y los campos de concentración, por un lado, y del éxtasis místico, por el otro; ¿Qué se debe hacer?, apunta a la comunicación del fenómeno artístico y a la función que ha de tener la documenta en el ámbito de la formación de las personas.

La documenta no para de crecer en prestigio y visitantes (754.000 en 2007) y es una cita ineludible. En Kassel se trabaja ya para que en la primavera de 2012 este tranquilo rincón de Alemania se transforme de nuevo en el centro del mundo del arte.

La documenta 13 se celebrará en Kassel del 9 de junio al 16 de septiembre 2012.

www.documenta.de