Directamente a mi corazón

"De pie, uno frente al otro, en la posición programada. Mirándonos a los ojos. Tengo un arco y Ulay sostiene su cuerda con la flecha que apunta directamente a mi corazón. Micrófonos instalados en ambos corazones registran la frecuencia creciente de los latidos."

Hija de partisanos y nieta de un santo, la artista serbia  Marina Abramovic es la más grande artista de las performances. En los años 70 comienza sus acciones entendidas como rituales purificadores. Su trabajo desconcertante y a veces brutal es una forma de investigar acerca del control de la mente y los limites de la resistencia del cuerpo como único modo de hacernos más libres. Algunas acciones en las que pone en riesgo su vida, solo concluyen cuando interviene el público puesto a prueba ante la contemplación del dolor y el sufrimiento.

En Ámsterdam, conoce al artista alemán Ulay que había nacido el mismo día que ella. Ambos viven y colaboran durante doce años. Es con él que realiza Rest Energy en 1980. La relación artística entre ambos nos regaló otros muchos momentos inolvidables. Finalmente tras varios años de tensión, se separaron definitivamente tras recorrer durante 90 días la Gran Muralla China. A modo simbólico, caminaron uno hacia el otro desde los extremos opuestos de la muralla hasta por fin encontrarse, para después sencillamente volver a separarse esta vez para siempre.

La Abuela del Arte de la Performance sigue trabajando en solitario. En 1997 recibió en La Bienal de Venecia el León de Oro a la mejor artista.
    

El museo de los cien días

El evento artístico más importante del mundo es sin duda la documenta. Tiene lugar desde los años 50 en la pequeña ciudad alemana de Kassel y se celebra cada cinco años (al principio fue cada cuatro). También se la conoce como el “Museo de los cien días" por ser esta la duración de la muestra.

La documenta 1 fue idea de Arnold Bode  como parte de la Exposición Nacional de Jardinería de 1955. Bode quería acercar el arte a la gente, sobre todo a los obreros. Se trató de una retrospectiva de la Modernidad clásica (años 20 y 30), que había sido difamada por los Nazis como arte "degenerado", incluyendo también algunas obras contemporáneas. En la muestra que fue un éxito se pudieron ver a  la mayoría de los artistas que hoy se consideran modernos como Picasso o Kandinsky.

Cada edición de la documenta supone un proyecto único. Se designa a un director artístico que durante 5 años ha de trabajar junto a otros tantos comisarios para dar forma a las distintas exposiciones que ocuparan diversos edificios y espacios públicos de la ciudad. En cada muestra se reflejan las influencias artísticas, filosóficas, políticas y sociales que han marcado ese lusto. Esto le da un carácter excepcional no exento de cierta controversia.

La muestra ha vivido momentos memorables como en la documenta 7 de 1982 en la que Joseph Beuys plantó 7.000 robles cada uno junto a una losa de basalto. La obra le llevó años realizarla y ha transformado de forma permanente el paisaje de Kassel.

En la documenta 11 de 2002, la primera tras los atentados del 11S y la primera con un director artístico no europeo  puso foco sobre problemas sociales, culturales y políticos en un mundo post-colonial en la que se incluyeron multitud de artistas desconocidos para la visión hegemónica occidental provenientes de Oceanía, Sudamérica, Asia. Esta edición fue muy discutida y para muchos supuso un fracaso.

El director artístico de la documenta 12 de 2007, Roger-Martin Buergel estructuró la muestra alrededor de tres hilos conductores que tenían forma de pregunta: ¿Es la modernidad nuestra antigüedad?, preguntando por el sentido actual de la Modernidad; ¿Qué es la vida desnuda?, que se refiere a la fragilidad física de la persona y evoca las experiencias límite de la tortura y los campos de concentración, por un lado, y del éxtasis místico, por el otro; ¿Qué se debe hacer?, apunta a la comunicación del fenómeno artístico y a la función que ha de tener la documenta en el ámbito de la formación de las personas.

La documenta no para de crecer en prestigio y visitantes (754.000 en 2007) y es una cita ineludible. En Kassel se trabaja ya para que en la primavera de 2012 este tranquilo rincón de Alemania se transforme de nuevo en el centro del mundo del arte.

La documenta 13 se celebrará en Kassel del 9 de junio al 16 de septiembre 2012.

www.documenta.de

Locas de atar

¿Estamos seguros de lo que excluimos y de por qué lo excluimos?

Marina Núñez (Palencia 1966) nos sorprendía a mediados de los 90 con su serie Locura en la que exploraba el concepto de histeria como manifestación de protesta femenina a la opresión de las sociedades patriarcales.

Marina elabora un mundo simbólico e imaginario en torno a la exclusión en el que la mujer ocupa su centro de atención. Sus locas flotan en el aire, se duplican y desdoblan, nos miran fijamente desde el otro lado del espejo. La artista nos muestra de este modo todo aquello que normalmente despreciamos, pero que sin embargo forma inexorablemente parte de nosotros mismos. Porque yo soy yo y mi otro. Cuerdo y loco. Si bien la exclusión se fundamenta en la ignorancia pero también en un deseo reprimido. A pesar de sus anomalías estos seres diferentes rebosan ternura y tienen una contundencia y lucidez no exenta de una belleza inquietante y serena a un tiempo.

Artista destructor

"La casa vivida no es una caja inerte. El espacio habitado trasciende el espacio geométrico”

Gordon Matta-Clark estudió arquitectura en la Universidad de Ithaca de Nueva York y literatura en París, pero decidió ser artista. Su serie de intervenciones building cuts tuvieron lugar en edificios abandonados de los cuales sustraía secciones de los forjados, entramados y muros. Todas estas acciones fueron  documentadas, fotografiadas y filmadas. 

Matta-Clark buscó en la arquitectura espacios internos más allá de la geometría construida,  reexaminando la calidad de vida que estos ofrecen. Transformar el espacio es reinterpretarlo, asimilarlo como lugar vivido, ofrecer una perspectiva nueva del mismo. Sus trabajos reivindican una arquitectura más humana que implica su apropiación individual y son una visión romántica del espacio. Sus cortes hurgan en las heridas sistemáticas del capitalismo tardío a través de lo que él denominó anarquitectura: "Los arquitectos construyen, los artistas destruyen".

Del año 1974 es su trabajo Bingo en el que sustrae elementos de la fachada de una vivienda que iba a ser demolida. Estos restos fueron trasladados al espacio de una galería de arte. Actualmente pueden verse en el MoMA.
        

El chamán y el coyote

"Quería aislarme, aislarme a mí mismo, no ver nada de América que no fuese el coyote."

La acción más famosa del artista alemán Joseph Beuys tuvo lugar en mayo de 1974, cuando pasó tres días en la galería Block de Nueva York conviviendo con un coyote. El titulo de esta acción está completamente cargado de ironía: “I Like America and America Likes Me”.

Beuys, el artista chamán, fue invitado a exponer en Nueva York. Puesto que se opuso a las acciones militares estadounidenses en la guerra de Vietnam y en señal de protesta decidió no hablar con nadie, ni pisar territorio norteamericano durante esta visita. A su llegada fue envuelto en fieltro, cargado en una camilla y conducido en ambulancia hasta la galería. Allí, en un espacio vallado le aguardaba el coyote. Las mantas, un bastón y unos guantes se convirtieron en apoyos escultóricos. Cada día, cincuenta copias de The Wall Street Journal se introdujeron, para que pudiesen orinar sobre ellos. Beuys a veces era cauteloso con el coyote y otras sugería la figura de un pastor. El comportamiento del animal fue cambiando a lo largo de los tres días, siendo en un principio esquivo, incluso agresivo y después más sociable y dócil. Al final de la acción, Beuys fue envuelto de nuevo en fieltro y regresado al aeropuerto.

Para los indios americanos, el coyote había sido un dios poderoso, con la facultad de moverse entre el mundo físico y el espiritual; sin embargo para los colonos europeos era una alimaña a exterminar. Beuys vio en la degradación simbólica del coyote una metáfora de los daños causados por el hombre blanco al continente americano y a sus culturas nativas. Su acción fue un intento de curar algunas de esas heridas.
    

Un montón de baratijas

“En realidad es un montón de baratijas y desperdicios cuya acumulación crea en nuestros cerebros algo completamente nuevo durante un determinado tiempo: una sombra chinesca”

Hans-Peter Feldmann (Düsseldorf, 1941) es uno de los artistas más representativos de la escena artística alemana de la segunda mitad del siglo XX.  Su trabajo explora las menudencias de la vida cotidiana y en muchas ocasiones utiliza imágenes encontradas en revistas que fotografía y fotocopia. En 1980, abandona el mundo del arte para abrir una tienda de recuerdos, baratijas y objetos de segunda mano. Cuando de nuevo regresa 10 años después retoma con fuerza su crítica a la perversión de las imágenes, a los valores culturales y a los sentimientos producidos masivamente.

La instalación Shadow Play la pudimos ver en la Bienal de Venecia de 2009. Unas mesas giratorias llenas de muñecos, envases y baratijas que iluminados por detrás, crean misteriosas sombras en movimiento. En las mesas hay bastante desorden y se ven restos del montaje. No hay misterio, todo está a la vista y sin embargo resulta igualmente asombroso. Este excelente montaje nos traslada a la infancia dónde cualquier imagen despertaba en nosotros un sinfín de pensamientos. Para Feldmann el arte es un evento, una impresión, una sensación, y más. Nunca es el objeto en sí.

Hans-Peter Feldmann en el Reina Sofía hasta el 28 de febrero de 2011
   

Signos que dicen lo que quieres decir

“Estoy intentando siempre encontrar maneras de descubrir nuevas cosas sobre la gente, y en el proceso descubrir más sobre mí misma.”

Una de las mas importantes artistas británicas actuales perteneciente al grupo de Young British Artists y ganadora del Turner en 1997 es Gillian Wearing. Su trabajo, está muy  influido por la estética de los documentales ingleses de los años 70, en los que se entrevistaban a gentes para descubrir determinados detalles de sus vidas. El resultado es una crítica al documentalismo tradicional, ya sea fotográfico o fílmico. Sus obras abordan temas relativos al modo en como nos vemos y como nos ven los demás, que mostramos y que ocultamos, lo que es verdad y lo que es mentira. Una reflexión sobre la condición humana y de como la colectividad se construye a partir de la individualidad.

De todos sus trabajos, el más conocidos es "Signs that say what you want to say and not Signs that say what someone else wants you to say" (Signos que dicen lo que quieres decir y no signos que dicen lo que otra persona quiere que digas), de 1992, en el que la artista paraba a la gente por la calle pidiendo que escribieran algo en un papel. En muchas ocasiones los mensajes escritos revelan sentimientos íntimos sorprendentes que contradicen la apariencia. Así un joven hombre de negocios nos revela que está desesperado o un policía nos pide ayuda.

Un trabajo sorprendente que desafía estereotipos y suposiciones sociales. Si hoy te encontrases a Wearing por la calle y te ofreciese un folio en blanco para que expreses un sentimiento ¿Qué es lo que escribirías?

  

Cumpleaños feliz

"Un cumpleaños cuenta la historia de nuestras vidas y es la primera prueba de que tenemos una vida real, nuestra, en este mundo"

En el trabajo Birthday Party, el artista japonés Yutaka Sone graba en video su fiesta de cumpleaños una y otra vez.  Busca los lugares más insospechados para festejar: un parque, casas de amigos, una galería de arte, un centro comercial, un refugio urbano. Luego la performance se proyectará en sitios públicos como estaciones de autobuses o pasadizos subterráneos. Cuida hasta los mínimos detalles; hay siempre un pastel que él no prepara, regalos sorpresa, tiras recortadas y globos. Ha llegado a celebrar hasta 100 veces su cumpleaños en 3 meses.

Más allá de lo anecdótico esta obra nos habla del enfrentamiento dialéctico entre lo publico y lo privado. Convierte en cotidiana una celebración extraordinaria, multiplicando lo que es único. Por otro lado al presentar como espontáneo y real algo que es una escenificación, introduce el concepto de mentira. Sone nos aclara: "Al final, quise crear en algún lugar un tiempo que no existe todavía". Una fiesta pensada no para ser disfrutada sino para ser expuesta y que pierde así su significado y se convierte en una parodia.
   

Evocación de la ausencia

Una cama doble, vacía, ampliada hasta un tamaño de una valla publicitaría. No hay texto, ni símbolo alguno. En las almohadas queda la huella de quienes no hace mucho estuvieron allí. ¿De quienes se trata? La ausencia lo llena todo en este trabajo. La cama es el lugar donde podemos descansar, donde nacemos y morimos. Un sitio íntimo que al instalarlo en la vía publica inesperadamente adquiere un significado colectivo.

El artista cubano Félix González-Torres llega a los Estados Unidos en los años 80 infectado con el VIH. Joven, pobre, latino, exiliado y homosexual, pronto encontró en la comunidad artística neoyorquina un hueco que la sociedad conservadora de entonces le niega. Su obra, radicalmente minimalista y conceptual esta llena de humildad y elegancia. La muerte de su pareja por SIDA en 1991 supuso un cataclismo para él. Es entonces cuando hace esta foto que cuelga en 24 sitios diferentes de la ciudad. Una apuesta por el silencio, un homenaje a la perdida del amado, una historia incompleta que cada observador habrá de recrear. Los significados no son estáticos.  La individualidad sólo importa cuando se reúne con otras. El mensaje último de este trabajo es que “la vida” existe, y que tiene un valor inmenso, aún cuando es tranquila, modesta, transitoria.

González-Torres muere en 1996 con tan solo 38 años, después de luchar duramente contra esta terrible enfermedad.