¿Entiendes de arte?

© Thomas Struth - Museo Del Prado, Madrid 2005

   
Este fin de semana de nuevo se formó una larga cola para acceder al Reina Sofía. Esto ocurre habitualmente en todos los grandes museos de arte contemporáneo del mundo. A la vista de esto cabria pensar que la salud de estos museos es extraordinaria, sin embargo analizaremos ciertas cuestiones al respecto.

¿Se han convertido los Museos en "centros comerciales" de la cultura? El Museo espectáculo atrae a turistas y foráneos. La arquitectura de los museos de arte contemporáneo y la publicidad de ciertas exposiciones  han sido determinantes. Visitar ciertas ciudades lleva intrínseco visitar estos museos. No obstante, ¿entendemos lo que vemos?

Si el arte contemporáneo es un reflejo de la sociedad en donde vivimos, ¿como es posible que no lo entendamos? ¿No se entiende o no nos gusta?

El arte se ha liberado de las normas académicas y se ha conceptualizado, se muestra en nuevos formatos a los que no estamos acostumbrados (fotografía, video, performances, instalaciones,...). Ya no existen movimientos artísticos que ordenen las propuestas, lo que nos crea aún más confusión. A muchas personas les inquieta que el arte pueda ser algo más que pintura y escultura. Además algunos cuadros ya no son bonitos, otros son transgresivos o de mal gusto. En diversas tendencias del arte moderno se cuestiona la existencia del arte como objeto; así la obra se convierte en el punto de partida de una reflexión más amplia que rebasa la obra misma. ¿Se hace arte o es todo una estafa cultural? ¿Cuantas veces hemos salido de una exposición con una enorme sensación de decepción?.

Los museos invierten mucho esfuerzo en explicar, enormes cartelas, audioguías, extensos folletos, salas de interpretación. Pero, ¿invertimos nosotros el tiempo necesario para asimilar toda esta información?

Quizá los artistas no puedan hacer otra cosa hoy, no es su culpa.  Esto no quiere decir que los entendamos menos que antes. Las pinturas negras de Goya no fueron entendidas en su época. Porque una cosa es el gusto estético, lo que nos gusta y lo que no; y otra es que podamos descifrarlo, que entendamos su significado y podamos decir algo más de el que lo que vemos a simple vista. Llegados a este punto creo que no entendemos más a Rubens que a Rothko. 
          

Esculturas para un día

J.D. Okhai Ojeikere es fotógrafo desde los años 50.  Comenzó documentando la vida cultural, las labores de los trabajadores en la calle y las ceremonias tradicionales de su país. En 1968 inicia la serie “Hairstyles” un particular proyecto antropológico y artístico que  le ha llevado a fotografiar más de 1500 peinados de mujeres nigerianas.

En África un peinado es un símbolo de estatus y esta asociado a eventos sociales importantes. Hay peinados especiales para cada ceremonia y celebración. De origen incierto con el tiempo las particularidades originales de cada grupo étnico se han ido entremezclando y adaptando a la cultura moderna.  Estas pequeñas obras de arte para un día son una parte importante de la cultura nigeriana que se conserva y transmite de mujer a mujer.

Ojeikere admira estos peinados y para él son obras maestras de la escultura tradicional. Gracias a su personal pasión nos ha legado un valioso testamento  de una cultura en constante cambio. Cada vez pregunta a su modelo por el origen, nombre e historia de su peinado. Estas fotografías son un homenaje a la diversidad, además de un retazo de la memoria colectiva, pero sobre todo un singular trabajo de indudable belleza. ¿Qué te parece?

  

Mujeres de Alá

“Poéticamente hablando, pensé que podría ser hermoso conectar el conflicto de las mujeres con el conflicto del país. Están buscando la misma cosa: democracia, cambio, libertad.”

La artista y cineasta Shirin Neshat  abandona su Irán natal cuando sólo tenía 17 años para ir a estudiar a la Universidad de Berkeley.  Cuando a principios de los años 90 regresa de nuevo, habían pasado 15 años, lo encuentra sumido en la Revolución Islámica. Dice que sintió tristeza pero que aun siendo aterrador, le resultó excitante.

De esta época es la serie de fotografías que titula "Women of Allah". En este trabajo muestra mujeres que portan armas: "Al estudiar el tema y la situación de la mujer, se aprende sobre la cultura en la que está inmersa". A través de todas estas imágenes se produce un juego de tensiones  inquietante  entre la espiritualidad y la política.  La escritura fluye y tatúa partes de estos cuerpos mudos para silenciosamente decirnos y vencer de este modo cualquier censura. Todas estas mujeres  no son sumisas ni pasivas, son mujeres que están en lucha: "Me interesa mucho,  el tema del feminismo en un lugar no occidental, y poder así representar a la mujer musulmana como creo que es: fuerte y segura de sí misma."

Después de "Women of Allah", Neshat realiza "Turbulent", "Rapture" y "Fervor", tres vídeos de gran éxito centrados en los roles de género. En el 2009  fue premiada con el León de Plata a la Mejor Dirección en el Festival de Venecia por su primera película "Women without Men". Actualmente vive en Nueva York y trabaja habitualmente en lugares como Turquía y Marruecos.

 

Aumentando el nivel del agua

¿Es posible cambiar el estado natural de las cosas y al mismo tiempo preservar el valor cultural de las raíces tradicionales?

Zhang Huan es uno de los artistas más importantes en la China actual y uno de los primeros en utilizar en su país la performance como medio de expresión artística. Nació en la ciudad de Yang He Nan en 1962. Formo parte del grupo de artistas "Beijing East Village". Fue varias veces reprendido por los censores del gobierno de su país. Sus acciones siempre implican el cuerpo generalmente desnudo, que expone a condiciones físicas extremas con el fin de explorar su espiritualidad.

En  1997 realiza “To Raise the Water level in a Fishpond", una de las últimas performances que el artista realizó antes de abandonar China, para la cual invitó a cuarenta campesinos y un niño a sumergirse en una pequeño estanque de pescado con el único objetivo de aumentar el nivel del agua. Todos eran trabajadores que recientemente habían venido a Pekín para trabajar en la construcción.  Al principio se colocaron todos en línea para dividir la charca en dos, luego como si de un rito budista se tratase caminaron libremente hasta introducirse completamente en el estanque para cumplir con propósito de la acción.  En la tradición china, el pescado es el símbolo del sexo mientras que el agua es la fuente de vida. Este trabajo expresa, su voluntad de comprensión y experimentación con la naturaleza. El hecho de que con esta acción el nivel del agua aumentase algún milímetro es completamente intrascendente.

    

Ciudadano artista

 “Mi obra no quiere responder a nada; todo lo contrario: quiere dejar todo abierto, abierto a las preguntas y al diálogo”.

Una de las propuestas que mas me han gustado de la exposición “Greater New York”  organizada por el MoMA PS1 fue la de Ishmael Randall-Weeks.

Este peruano de 36 años vive y trabaja en Nueva York. En sus instalaciones nos alerta sobre el agotamiento del mundo como recurso único. El hilo conductor es su vida, los lugares habitados, las ciudades recorridas, los libros leídos y sobre todo la memoria de su  infancia andina. Reflejo de la precariedad y la modernidad inalcanzable en el Perú actual, su obra es una reflexión melancólica sobre el abandono y la imposibilidad de consecución de un proyecto, constantemente interrumpido y permanente inacabado. Aspiraciones truncadas que sucumben ante la realidad que en su pobreza impone modelos urbanos caóticos y desarrollistas. 

El trabajo que ocupa toda una sala del MoMA PS1 y simula el taller de un arquitecto consiste en orografías escavadas en viejos libros, macetas con plantas que alguien habrá que regar durante la muestra, ladrillos hechos con periódicos viejos. En las paredes fotos y diversos planos y croquis. Su trabajo hace referencia a un origen instrumental en vías de  desaparición y es bastante crítico con el futuro de nuestro planeta. “Lo contemporáneo no es amable con el pasado ni con cualquier futuro verosímil”.  Un ensamblaje teórico sofisticado, pero cuya realización parece precaria pues esta basada en el reciclaje de materiales.

Es imposible al ver el trabajo de Ishmael Randall-Weeks no pensar necesariamente en una ciudad que solo existe en la mente del ciudadano artista. La arquitectura, el arte, el diseño interior y el exterior, el urbanismo utópico y el paisaje erosionado. “Me interesaba combinar elementos que me ayuden a pensar en una situación arquitectónica, que es contundente y a la vez frágil”. Contundente como el hormigón de un edificio y frágil como la vida de cada una de las personas que habitan la ciudad.
 

Ejercicio de infinito

¿Puede un objeto creado mediante técnicas de producción masivas llegar a tener un significado público y personal?

Allan McCollum es un artista autodidacta de origen californiano. En su trabajo se cuestiona la concepción de la obra de arte como un trabajo único e irrepetible. Este planteamiento le ha llevado a buscar  métodos de fabricación de ediciones infinitas generadas por algoritmos matemáticos a partir de un modelo original. Series ilimitadas de piezas únicas que apenas se diferencian entre si por pequeños cambios de color, forma o tamaño.  Un arte basado en la combinatoria que explora ciertos aspectos mecánicos característicos de la existencia.

En 2005, McCollum inicia  “The Shapes Project”  basándose en distintos estudios demográficos que determinan que la población mundial alcanzará su pico de crecimiento, antes de empezar a descender, a mediados del s.XXI. Este máximo se estima que será de unos treinta mil millones de habitantes. El proyecto consiste en crear una figura distinta para cada persona que pueda llegar a existir en ese momento en el mundo. Para ello utiliza un sistema combinatorio de vectores que puede producir tantas figuras como sean necesarias. Esta obra en proceso no podrá acabarse en la vida del artista, por lo que su continuación habrá de ser legada a las generaciones futuras.
 

Me quiero más que a mi mismo

"El autorretrato entendido como transformación, como representación de múltiples roles o tal vez de uno sólo, de otro personaje, de otra identidad, de ese otro yo que queremos ser o que tememos hasta tal punto de la identificación y la mímesis" Rosa Olivares - Exit 10

El artista Yasumasa Morimura (Osaka, 1951) se cuela literalmente en los cuadros más representativos del arte occidental, transformándolos radicalmente con su presencia. Cuando vemos por primera vez el trabajo de Yasumasa nos sorprende su habilidad para aproximarse al original hasta el punto de hacernos por un momento dudar. Ya conscientes de la manipulación no podemos ocultar nuestra admiración por su maestría artística.

En la serie de Autorretratos de la historia del arte, el artista usurpa descaradamente el espacio iconográfico de la historia del arte europeo y norteamericano en lo que podría considerarse además de una parodia de la "alta cultura", un personal ajuste de cuentas entre el oriente dormido y el occidente colonizador. Con mucho humor e ironía, superado el hecho anecdótico, se plantean otros importantes aspectos relativos al desplome de barreras culturales, a como afecta la globalización al mundo artístico o al modo en que el público contempla el arte oficialmente consagrado por la historia.

Pero mas allá de todo esto, esencialmente para Yasumasa estas representaciones son su particular modo de indagar en su propio ser, de conocerse a si mismo. Como bien nos dice en el video sobre Frida Kahlo: "Siempre podríamos decir que por todo aquello que me constituye, me quiero más que a mi mismo".

La obra de Yasumasa Morimura puede verse en la Galería Juana de Aizpuru de Madrid.
                              

Encierro y escape

"He tomado un grupo de personas prisioneras. La obra se inicia aquí y ellos son los actores" Graciela Carnevale, 7 de octubre 1968

Unas de las obras que más me impresionó en la pasada Documenta 12 fue está foto en blanco y negro en la que se ve a una mujer con tacones y cara de sorpresa escapando del interior de una galería a través de un vidrio roto. Dentro otras personas esperan su turno. Observando con atención se aprecia como la puerta está cerrada con un candado.

Graciela Carnevale formó parte de uno de los colectivos de más vanguardia de su país durante la dictadura de Onganía  en los años 60.  Un grupo de artistas argentinos residentes en Rosario quiso autogestionarse y alejándose de lo institucional consiguieron un espacio propio para mostrar sus trabajos: "Entendi- mos que el arte es una forma de militancia y que de alguna manera podía incidir sobre la sociedad". La obra de Graciela supone una ruptura con los lenguajes tradicionales del arte. Sus trabajos son una invitación a retomar el dialogo entre el arte y la política, entre publico y artistas, entre la Capital y Rosario.

En 1968 quiso observar cual sería la reacción de la gente cuando se encontrasen encerrados en el espacio de la galería. Durante una hora la tensión fue en aumento pero los encerrados se limitaron a gesticular hacia la calle. El final es ciertamente decepcionante. Al contrario de lo que cabría esperar la reacción violenta vino de fuera. Un transeúnte rompió el cristal para liberar a los de dentro y acabar con la situación; así todos pudieron salir de nuevo a la calle. Después de esta acción la policía ordenó el cierre de la galería, acabando definitivamente con Ciclo de Arte Experimental.

Y yo te pregunto: ¿Cuál habría sido tu reacción si te hacen prisionero con un grupo de gente en una galería de arte?
      

Más grande que la vida

Por primera vez una española es finalista de los premios Turner. Un premio de enorme prestigio que solo 2 veces ganaron artistas no ingleses.  La gallega Ángela de la Cruz vive en Londres con su marido y su hija. El próximo 6 de diciembre sabremos por fin si es la elegida.

Esta artista con nombre de santa es sin duda una gran luchadora tanto en el arte como en la vida. Desde hace tres años no puede pintar debido a una hemorragia cerebral que le sobrevino durante el embarazo de su hija. Para concluir el embarazo tuvo que retrasar el tratamiento. Valientemente apostó por Angelita Lola que nació bien y la decisión le ha dejado en una silla de ruedas, si bien poco a poco empieza a recuperarse.

Niña rebelde que al calor del movimiento punk huyó en los años 80 a la capital inglesa buscando libertad,  empezó a romper sus cuadros cuando recibió la noticia de la muerte de su padre "no por cólera sino por tristeza" nos aclara y desde entonces sus cuadros son esculturas doloridas que luchan por conquistar un espacio amenazante y se nos muestran frágiles, descarnadas y maltratadas al tiempo que fuertes, resistentes y cargadas de dignidad. Su obra está compuesta a partes iguales de obstinación y de melancolía. Retazos mutilados que interactúan entre ellos a veces se repiten, otras acogen objetos cotidianos o acaban reciclándose unos en otros en un intento desesperado de formar un cuerpo.

En 2005 se presentaba en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, un inmenso lienzo, convertido en material moldeable, que encogido y retorcido sobre si trepaba por las paredes hasta apropiarse de todo el espacio de la sala, convertida en habitáculo opresor del mismo. Su evocador titulo: "Larger than Life".
                           

El reivindicador romántico

Cuando el artista se aleja del arte espectáculo, del eterno problema existencial y del manido  tema identitario  deviene inevitablemente en un artista comprometido.  Si aceptamos la idea de que todo arte es político,  entonces  el simple hecho de ser artista implica asumir una postura política.

Arte comprometido existió siempre en la historia del arte. Goya fue un gran artista con un enorme compromiso ideológico, como podemos ver en sus "desastres de la  guerra" o en sus maravillosos "caprichos". Todo lo que pasa actualmente en el mundo ya fue descrito en imágenes por Goya.

En un mundo globalizado y desastroso como el actual el artista no puede ser ajeno a estas realidades y consecuentemente toma consciencia. En la última documenta de 2007 esta idea estuvo muy presente.  Roger M. Buergel director de esta muestra  se preguntaba: "¿Cuál es el destino de la modernidad? ¿Donde han quedado las demandas universales de libertad, igualdad y fraternidad tras las catástrofes totalitarios del s.XX? (...) Hay una dimensión apocalíptica y obviamente política de la vida desnuda recalcada por la tortura y los campos de concentración. (...) ¿Qué hacer? Los artistas deben educar con la forma y la materia."

Si hay un artista verdaderamente comprometido y educador en nuestro país este es sin duda Santiago Sierra. Yo oí hablar de él en 2003 cuando en la 53 bienal de Venecia se le encarga intervenir en el pabellón de nuestro país. Su propuesta consistió en tapiar la entrada y envolver el escudo de España con un plástico negro. Los visitantes tenían que acceder a él por detrás a través de un muro, presentando el dni español. Dentro solo un espacio vacío con las puertas arrancadas y restos de obra. La acción denuncia las fronteras como instrumentos de control, ironiza sobre el nacionalismo excluyente, habla de inmigración y de los muros económicos que estamos levantando en el mundo. Es muy interesante la justificación que hace del proyecto la entonces ministra Ana  Palacio en el catalogo de esta muestra en la que se trasluce cierta incomodidad con el seleccionado recalcando: "respetar la independencia de criterio de la comisaría" Y es que el arte de Santiago Sierra siempre tiene algo de molesto que incomoda a los podedes.

En sus acciones siempre busca la provocación. En la obra titulada "245 metros cúbicos" de 2006, transforma  la sinagoga de Stommeln, en la ciudad alemana de Pulheimna  en una cámara de gas. Los visitantes solo podían entrar con una máscara de gas y permanecer un máximo de 5 minutos en el interior por motivos de seguridad. A pesar de que la obra pretendía honrar a las victimas el hecho de que tenga múltiples lecturas, se consideró una provocación y de mal gusto incluso por las comunidades  judías y tuvo que ser cerrada.

Santiago Sierra busca por todos los medios posibles mostrar lo absurdo de las relaciones de poder y por supuesto, criticar al sistema capitalista, demarcando todos los problemas que éste acarrea. En sus obras utiliza a menudo inmigrantes para denunciar el abuso, las malas condiciones de trabajo, el tratamiento inhumano de los inmigrantes, la autodestrucción, la alineación o  la moral burguesa: "8 personas remuneradas para permanecer en el interior de cajas de cartón", "línea de 250 cm tatuada sobre 6 personas remuneradas" o "
concentración de trabajadores indocumentados en la fiac de Paris" son algunos títulos de sus obras. Actualmente trabaja en su película  "No global tour" en la que  un gran NO corpóreo viaja, transportado en un camión, por diferentes ciudades del mundo.

En verano se dejaba caer por la inauguración en Cáceres de la Fundación Helga de Alvear (su galerista). Desde México, donde reside actualmente, llego con unas largas barbas blancas para dejar claro en unas jornadas sobre museología que su interés por los museos no va mas allá de la actividad laboral que personal de limpieza, montadores o vigilantes allí desempeñan.

Esta semana Santiago Sierra recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas dotado con 30.000€ y como no podía ser menos lo ha rechazado. Todo un golpe mediático. La carta de renuncia además de una exhibición de principios es sin duda una obra de arte que de nuevo deja con el culo al aire a mas de uno.
          

Un buen nombre

“Slow Angle Walk” vendría a ser algo así como “Paseo con ángulo gradual”. Este es el título que Bruce Nauman le da a un conocido video suyo en 1968. Como sobrenombre le añade “Beckett Walk”.

Nauman habitualmente busca inspiración en las actividades, el habla y los materiales de la vida cotidiana. Le interesa la manera en que un proceso o actividad pueden transformarse en una obra de arte. Indaga en la naturaleza conceptual del arte y del proceso de creación. "Si era un artista y estaba en el taller, entonces cualquier cosa que estuviese haciendo en el taller debía ser arte" (No se si esto es totalmente extrapolable a otras actividades). En este sentido, el arte deviene más una actividad y menos un producto.

En esta obra Nauman indaga en como el cuerpo humano puede llegar a ser un instrumento de conciencia. La cámara fija yace de lado y registra durante una hora todo lo que acontece en el estudio: una laboriosa secuencia de movimientos corporales realizados por el artista, inspirados en pasajes de trabajos de Samuel Beckett que describen actividades similarmente reiterativas e insignificantes. Con las manos entrelazadas sobre la espalda, salta sobre una pierna con el cuerpo en ángulo recto, pivota cuarenta y cinco grados, cae adelante duramente con un ruido sordo, extiende la pierna nuevamente en ángulo recto hacia atrás, y comienza la secuencia nuevamente.

Nos encontramos en una época en el que el video tiene todavía un cierto aire experimental o de baja tecnología que reacciona contra la televisión o sencillamente registra otras tendencias artísticas como los performances. Es este el mismo año que Beuys exhibe un monitor de cara a la pared.

Bruce Nauman en este video describe repeticiones de absurdas acciones cotidianas e intrascendentes hasta convertirlas en algo insoportable y yo me pregunto si nuestra rutina cotidiana no se compondrá un poco de esta forma.

“Slow Angle Walk” me parece un buen nombre porque aunque descriptivo es enigmático, además pertenece a un año en el comienzan en el mundo muchas transformaciones sociales y artísticas; Por si esto fuese poco hace alusión a Beckett uno de los escritores que más me desconcierta y sobre todo porque el hecho de pasear tiene mucho que ver con la intencionalidad de este blog.