Volviendo los ojos de adentro hacia fuera

"El trabajo del poeta es reflejar como un espejo las visiones que su sensibilidad le ha conferido, para producir las vistas, las imágenes necesarias para el imaginario colectivo."
  
Nacido en un pequeño pueblo del Piamonte en una familia de campesinos, la infancia de Giuseppe Penone (Garessio, 1947) transcurre entre campos de cultivo e inmensos bosques. En busca de su propia identidad este artista italiano, uno de los mas jóvenes del arte povera, utiliza en sus obras troncos de árboles, piedras o tubérculos. Un intento poético e intimo de encontrar la simbiosis entre cuerpo y naturaleza. En su trabajo se nos propone una reflexión sobre el hombre y el cosmos y su capacidad de creación. Una búsqueda apasionante del azar, la memoria, el paso del tiempo y las representaciones culturales.

En 1970 realiza durante 2 horas en unos encuentros en Roma una acción titulada 'Rovesciare i propri occhi' en la que se puso unas lentillas-espejo que le impedían ver, al tiempo que sus ojos reflejaban el mundo exterior. Cuando Penone abandonó el campo y se instaló en la ciudad dedicó parte de sus trabajos a investigar sobre la relación entre el cuerpo y el entorno. Como la mirada es cuerpo, realiza esta acción. Estas lentillas actúan como una barrera entre él y lo que le rodea. Así se vuelve ciego al privarse de la visión exterior, produciéndose un proceso de introversión, de mirar hacia el interior de si mismo. Mientras, el espectador se ve reflejado en las lentillas y de este modo ve lo que tendría que ser visto. Con este sencillo gesto el cuerpo del artista se convierte en una escultura con capacidad reveladora y esto es lo maravilloso de esta obra.
    

Cine para tocar

"He encontrado una manera de continuar con el cine expandido en mis performances físicas en las que yo soy el elemento central de la acción y el cuerpo se interpreta como un signo, como un código para la expresión artística y social."

La artista austriaca Valie Export (Linz, 1940) es pionera en analizar las políticas de género. Educada en un convento hasta los 14 años estudió pintura, dibujo y diseño en Viena y trabajó brevemente en la industria del cine como guionista y directora. Su trabajo artístico incluye video-instalaciones, performances, cine expandido, animaciones por ordenador, fotografía, escultura y publicaciones sobre arte contemporáneo.

A finales de los años 60 adquiere una nueva identidad al cambiar su nombre Waltraud  por Valie y desprenderse de los apellidos del padre y del esposo para apropiarse de una popular marca de cigarrillos de bajo precio, Smart Export. Emancipada de toda sumisión masculina se reafirma en la escena artística centroeuropea dominada en ese momento por el accionismo vienes.

"Tap and Touch Cinema" se llevó a cabo en diez ciudades europeas entre 1968-1971. En este revolucionario trabajo, la artista lleva ceñido a su torso desnudo un pequeño cine con una cortinilla de modo que sus pechos no pueden ser vistos pero si tocados. Con un altavoz los transeúntes son invitados a acercarse a introducir sus manos durante 30 segundos. La experiencia táctil es lo opuesto al voyeurismo. Esta obra tiene sus raíces en el cine de feria, cuestiona el papel pasivo de la mujer en las películas y reinterpreta la función del público. De forma provocadora confronta la naturaleza privada de la sexualidad con los lugares públicos de sus actuaciones y transgrede la censura pasando por alto normas morales y sociales preestablecidas.

    ver vídeo
  

Pieza de disparo

“La tensión mental que asumo para controlar mis performances es el eje de la acción, no la violencia que la acompaña.”

El artista Chris Burden (Boston, 1946), se hizo muy conocido a principio de los años 70 a través de sus performances profundamente trasgresoras en las que la idea del peligro personal como expresión artística fue central. Después de 1975 tras ejecutar casi setenta performances diferentes comenzó un período en el que creó instalaciones y esculturas que cuestionan la ciencia y la política.

En todo su trabajo existe una preocupación por las formas de poder. En un intento de descomercializar la producción artística, sus acciones cuidadosamente construidas son una mezcla de concepto, desarrollo y el resultado. El uso de la violencia en su obra además de reflejar a nuestra sociedad es un mecanismo físico que utiliza el artista para controlar el destino, generalmente incontrolable.

En Shoot (1971) pidió a un amigo que le disparara en el brazo izquierdo desde una distancia de 5m. Preocupado por la intromisión de los medios de comunicación la acción se desarrollo en un ambiente privado. El publico conformado únicamente por algunos amigos artistas juega un papel relevante. La proximidad incitaba a evitar el suceso sin embargo los observadores como conocedores del arte que además comprendían sus intenciones, tuvieron que suprimir sus instintos y participar en la violencia. Elegante y precisa, esta obra de la que apenas quedaron unas cuantas fotografías, aunque minuciosamente planeada no estaba exenta de peligro. A pesar de su sencillez y brevedad, toca la misma esencia de la vida y casi cuarenta años después sigue siendo controvertida. Mientras las pistolas existan será recordada.
  

Asomad la cabeza

"El arte es mi forma de conocimiento del mundo" Lygia Pape

La artista brasileña Lygia Pape (1927-2004) participó en dos importantes movimientos: el concretismo y el neoconcretismo; aunque después se trasladó más allá de ellos. Sus trabajos abarcan multitud de formatos: pintura, grabado, escultura, danza, cine, performance e instalación. A través de sus obras exploró los límites formales y conceptuales del arte, tratando siempre de ampliar la dimensión social del mismo.

En 1968 creó una de sus piezas más conocidas: 'Divisor'. Esta experiencia profundamente poética consiste en una gran tela con pequeñas aberturas a través de las cuales decenas de participantes asoman sus cabezas, mientras sus cuerpos quedan envueltos por el tejido. La enorme superficie blanca separa al tiempo que une, convierte la individualidad en una comunidad que se mueve y avanza unida. En este trabajo tan lúdico como conceptual la artista equipara observador y participante, invitando a los asistentes a completar la obra integrándose a ella. El movimiento colectivo multitudinario se apropia del espacio público y plantea la transformación creativa de la vida urbana al mismo tiempo. Esta obra se puede  interpretar como una crítica a la burocracia moderna, así como una reflexión sobre la división entre mente y cuerpo.

    ver video
    

El ritual de la vida

“Mi arte se basa en la creencia de una energía universal que corre a través de todas las cosas. Mis obras son las venas de la irrigación de ese fluido universal. A través de ellas asciende la savia ancestral, las creencias originales, la acumulación primordial, los pensamientos inconscientes que animan el mundo."

Ana Mendieta (La Havana, 1948) fue enviada  por sus padres junto a su hermana a Estados Unidos cuando solo tenía 14 años en la llamada operación Peter Pan. En Iowa vivió desde entonces en centros de acogida. Las hermanas padecieron incomodas situaciones xenófobas. El desarraigo, la sensación de perdida y la obligación de adaptarse a la nueva cultura la traumaron para siempre. En este contexto afirma que solo le quedaron dos opciones: "ser criminal o artista".

Profundamente autobiográficos, en sus trabajos se abordan temas como el feminismo, la violencia, la marginalidad, el lugar de pertenencia, la vida y la muerte. Como exiliada desarrolló una identidad fragmentada y fronteriza. Fue en México que encontró un lugar de sosiego donde realizar su obra y calmar la imposibilidad de volver a su patria. 

En la serie Siluetas (1973-1980) crea contornos femeninos en lugares naturales. El barro, la arena o el pasto se convierten en lienzos donde dejar impreso su cuerpo junto a restos de ramas, hojas, sangre o fuego. A medio camino entre el land art y la performance, en estos poéticos trabajos relacionados con rituales y religiones primitivas subyace un profundo deseo de regreso al seno materno, de incorporarse espiritual y físicamente a la naturaleza y fundirse en ella en un acto místico. Una simbiosis entre mujer y paisaje, una metáfora del retorno al origen.

Ana Mendieta murió trágicamente a los 36 años cuando cayó al vacío desde el trigésimo cuarto piso de su apartamento en el Soho de Nueva York tras una violenta discusión con su marido el escultor Carl André. Las circunstancias que rodearon su muerte nunca fueron esclarecidas.
  

Mis manos son mi corazón

"My hands are my heart  no es algo tan artesanal o tan primitivo. Es mucho más que un simple gesto. La inteligencia en un gesto simple que lo hace funcionar como algo más sofisticado".

El artista mexicano Gabriel Orozco (Jalapa, 1962) vive a caballo entre Nueva York y París. No tiene estudio porque no le interesa trabajar en un ambiente totalmente preestablecido. Siempre creativo, lúdico e innovador, a través de su obra investiga nuevas formas de mostrar lo cotidiano, la belleza de lo fugaz y las posibilidades de la materia. Entre sus creaciones se encuentran innumerables objetos encontrados y modificados, residuos urbanos, materiales efímeros y otros testimonios de la industria y el consumo. Una combinación original de lógica conceptual y práctica política.

En el autorretato My hands are my heart (1991) aparece con el torso desnudo, las manos al pecho cerradas y luego abiertas en torno a un corazón de arcilla, con sus dedos impresos sobre el tierno material rojizo. La huella bien visible conserva el momento de la creación improvisada, lo que él ha descrito como "un gesto de espontaneidad". El uso de barro ordinario de una fábrica de ladrillos avala su predilección por los materiales humildes y cotidianos. En esta acción tan íntima como poética, está visible la influencia de su maestro el artista inglés Anthony Gormley con el que años atrás coció multitud de piezas en los hornos artesanales de Choula.
    

Comisario de profesión

Natural State, Zero1, Olot (2005) Comisario: Martí Manen

"Existe una nueva generación de comisarios de exposiciones que trata de activar el escenario, un tanto plomizo, del arte contemporáneo.” Martí Manen

Si en los años 80 el protagonista del panorama artístico fue el artista y en los 90 los museos y centros de arte, en este momento vivimos la era de las exposiciones.  La exposición actualmente ya no se plantea en términos de formas sino de formatos de representación. Concebida como laboratorio de ideas y lugar de co-producción, es sin duda una forma vivaz de expresión cultural e intelectual. En este escenario, se impone la figura del comisario.

Un comisario (o curator) es, como el artista, productor y difusor de información. La relación entre comisario y artista ha cambiado la manera de concebir actualmente una exposición, nos ha llevado a replantear el concepto de autoría y a considerar la creación como una acción colectiva.

El incremento de estudiantes de comisariado de arte y el acceso de estos a una información global gracias a las nuevas tecnologías han dado lugar a una joven generación de profesionales sin complejos a la hora de crear nuevos conceptos expositivos, que asume con naturalidad  la crítica del arte, experimenta con los espacios y propone otros modos de observar las obras. El papel de las redes sociales virtuales ha sido clave en esta transformación; favoreciendo la circulación de ideas, han generado una capacidad de respuesta a los cambios sociales actuales pero también son responsables de una mayor uniformidad y falta de autenticidad.

El comisario de exposiciones mayoritariamente freelance trabaja contratado por el museo o en proyectos externos. De este modo suman esfuerzos con las instituciones artísticas si bien manteniendo una cierta independencia, lo que les da libertad en la elección de sus discursos, además de una visión crítica e independiente. Sería un error que los comisarios acaben convertidos en simples gestores. Su función y supervivencia pasan por explorar nuevas vías de trabajo que incrementen el dialogo con el público y generen en él un constante debate social.