"Un artista siempre debería tratar de reflejar sus sentimientos personales en su obra."
El Fotógrafo y videoartista holandés Erwin Olaf (1959) tiene su estudio en una antigua iglesia de Ámsterdam. Su actividad artística se simultanea con trabajos publicitarios para conocidas marcas. Entre sus temáticas más habituales figuran las cuestiones de genero, el erotismo, el consumismo y las relaciones de poder. Su trabajo referencia a menudo la historia de la pintura, la contracultura o el cine, no exento de cierta carga crítica.
Realizado para una exposición en Nueva York, Dusk (2009) fue concebido como un homenaje a la multiculturalidad de esta ciudad e inspirado por un innovador trabajo en torno a 1900 de la fotógrafa Frances B. Jonhson en el que mostraba afro-americanos de clase media en sus hogares, así como escenas de estudiantes de color en una escuela de Virginia. En esta pieza, actores, ropa y mobiliario son completamente negros. Si bien no se entiende completamente el contenido, todo nos sugiere algún tipo de drama personal. Dawn (2009) surge como necesidad de complementar el trabajo anterior. Ambientado en la Rusia del siglo pasado, es reflejo de la otra historia aunque ahora transcurre en una dacha rusa y su protagonista es de aspecto caucásico.
Ambos trabajos están perfectamente sincronizados y juntos conforman un enigmático díptico: el crepúsculo y la aurora. Escenarios inquietantes y tensos en los que se respira una sensación de misterio y ambigüedad. Dos madres que tratan de dormir a sus hijos cantándoles, meciéndoles en la cuna o leyéndoles un libro mientras un niño golpea la pelota contra la pared y el padre cadenciosamente asierra madera. El efecto incomoda y desconcierta, nos llena de dudas por el tiempo de espera indefinido. Mas allá de lo narrativo, de lo que nos habla es de las emociones humanas. La representación es alegórica de sentimientos y estados de ánimo invisibles, abstractos y contradictorios que transcienden a los hechos y a las personas.
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"Reivindicar la necesidad del propio lugar como el lugar último, más allá de su representación. Lo real más allá de su imagen"
Carlos Irijalba (Pamplona, 1979) trabaja en proyectos que ahondan en el choque entre lo humano y lo natural. A través de fotografías, videos e instalaciones trata temáticas como la manipulación que el hombre hace del medio ambiente, la experiencia relativa del tiempo y el espacio y la construcción colectiva de lo real.
El proyecto Twilight (2009) se desarrolla en dos fases. La primera se realizó en el campo de El Sardinero en donde tomó varias imágenes nocturnas con los focos del campo de futbol encendidos, pero con una de las torres apagadas. Se generó así un espacio oscuro, inexistente a nuestra vista, que dejaba de ser apto para la creación de un espectáculo. La segunda parte del proyecto consistió en trasladar una de estas torres de 17 metros de altura y 11.000 watios de luz a una de las últimas selvas de Europa, la de Irati en el norte de Navarra. Este lugar que desaparece en el momento en el que la luz natural deja de existir, revivió durante las noches que fue iluminado. Así, trasladando un elemento propio del entorno urbano al natural, llevando la electricidad al bosque, nos ofrece la posibilidad de experimentar en condiciones extraordinarias el lugar en sí.
Más allá de lo anecdótico, el proyecto analiza el modo en que Occidente construye un circuito de lo real a través de la luz en contraste con Oriente, mucho más consciente de la sombra. El fuego como primer artificio y más tarde la luz artificial han simbolizado el lugar de la transformación. El espectáculo ha heredado estos espacios y sus cualidades. La representación del lugar es por tanto insuficiente y se hace necesario lo real más allá de su imagen.
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"Un viaje implica un destino, muchas millas que consumir, mientras que un paseo tiene su propia medida, que se completa en cada punto del camino”.
Francis Alÿs (Amberes,1959) camina mucho. Camina por las calles de Ciudad de México dónde vive desde hace casi veinte años o por cualquier otra ciudad del mundo. Observa con distancia para situarse en un contexto periférico, lejano y melancólico en el tiempo. Lejos de describir con exactitud cada caminata, transforma la misma en un catalizador de historias a caballo entre la realidad y la ficción. Caminar, cargar, mover y transportar son las constantes de su tránsito por el arte y por la vida. Así su trabajo puede ser tan monumental como mover con ayuda de 500 personas una inmensa duna de arena en Lima, tan efímero como remitir una postal o tan irónico como enviar de simbólico emisario a un pavo real a la Bienal de Venecia.
En 'Paradoja de la Praxis 1: Algunas veces el hacer algo no lleva a nada.' (1997) le vemos empujar durante horas por las calles un enorme bloque de hielo. Poco a poco se va derritiendo dejando tras de sí un rastro de agua. El artista interviene directamente en su entorno despertando la curiosidad y la reflexión del espectador acerca de la práctica de entregar bloques de hielo en los comercios y estanquillos de Ciudad de México. En su marcha errante va descubriendo personajes y situaciones que llaman su atención. Al tiempo se interroga sobre dónde y cuando se origina esta costumbre, porque sigue haciéndose, que necesidad cubre y que representa su presencia en la interpretación del espacio urbano. Lo importante es que esta acción da visibilidad a esta entrega que diariamente se realiza de forma anónima y casi invisible.
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“El viaje es la vida, con incidentes y algunas cosas buenas. La obra es más una exploración de lo que uno es y los demás son; es un intento de definirse como individuo y, a partir de ahí, relacionarse con los demás, porque la existencia es una complejidad"
La obra del artista Nacho Criado (Jaén, 1943 – Madrid, 2010) siempre ha estado ligada a la experimentación. Preocupado por la esencia de las cosas entendió su trabajo como una lucha contra sus propias obsesiones. Siempre al margen del mercado prestó más atención al proceso que al producto lo que motivo que muchos de sus proyectos quedasen inacabados a veces por resultar demasiado inmateriales otras por falta de medios para su producción. Pinturas sobre hojalata, maderas apolilladas, termitas devorando revistas de arte, proyectos y recorridos en la naturaleza de Cuenca, piezas sonoras, esculturas de vidrios rotos... Tiempo, memoria, teoría, reducción y conocimiento son sus pinceles. Un artista fundamental que sin embargo no ha tenido todo el reconocimiento que su trabajo merece o lo ha tenido tardíamente.
En 1977 realizó 'Ellos no pueden venir esta noche' en el Palacio de Cristal de Madrid. Fue una instalación con multiples referencias a los artistas que admira: Rothko, Malevich, Mondrian o Klein, Durero, Fidias o Duchamp. Por medio de los homenajes establece una geografía de afinidades, al mismo tiempo que desmonta la idea del yo como algo replegado sobre sí mismo. Inteligentemente resuelto el problema del espacio, cubrió con una alfombra de hojas todo el suelo del recinto para relacionar de este modo interior y exterior. Para enfatizar la idea de anonimato, no figuraba en ningún sitio su nombre sino las fechas de construcción del Palacio y de su nacimiento con unas siglas 'AN'. El catálogo, que tendría que haber sido un bloque de páginas negras, hace memoria de un buen número de trabajos anteriores al montaje para describir más tarde el grupo de obras que lo componen (la mayor parte del año 77). Cerrando sus páginas una 'confrontación a distancia mínima' del artista con su imagen en un espejo.
"El trabajo del poeta es reflejar como un espejo las visiones que su sensibilidad le ha conferido, para producir las vistas, las imágenes necesarias para el imaginario colectivo."
Nacido en un pequeño pueblo del Piamonte en una familia de campesinos, la infancia de Giuseppe Penone (Garessio, 1947) transcurre entre campos de cultivo e inmensos bosques. En busca de su propia identidad este artista italiano, uno de los mas jóvenes del arte povera, utiliza en sus obras troncos de árboles, piedras o tubérculos. Un intento poético e intimo de encontrar la simbiosis entre cuerpo y naturaleza. En su trabajo se nos propone una reflexión sobre el hombre y el cosmos y su capacidad de creación. Una búsqueda apasionante del azar, la memoria, el paso del tiempo y las representaciones culturales.
En 1970 realiza durante 2 horas en unos encuentros en Roma una acción titulada 'Rovesciare i propri occhi' en la que se puso unas lentillas-espejo que le impedían ver, al tiempo que sus ojos reflejaban el mundo exterior. Cuando Penone abandonó el campo y se instaló en la ciudad dedicó parte de sus trabajos a investigar sobre la relación entre el cuerpo y el entorno. Como la mirada es cuerpo, realiza esta acción. Estas lentillas actúan como una barrera entre él y lo que le rodea. Así se vuelve ciego al privarse de la visión exterior, produciéndose un proceso de introversión, de mirar hacia el interior de si mismo. Mientras, el espectador se ve reflejado en las lentillas y de este modo ve lo que tendría que ser visto. Con este sencillo gesto el cuerpo del artista se convierte en una escultura con capacidad reveladora y esto es lo maravilloso de esta obra.
"He encontrado una manera de continuar con el cine expandido en mis performances físicas en las que yo soy el elemento central de la acción y el cuerpo se interpreta como un signo, como un código para la expresión artística y social."
La artista austriaca Valie Export (Linz, 1940) es pionera en analizar las políticas de género. Educada en un convento hasta los 14 años estudió pintura, dibujo y diseño en Viena y trabajó brevemente en la industria del cine como guionista y directora. Su trabajo artístico incluye video-instalaciones, performances, cine expandido, animaciones por ordenador, fotografía, escultura y publicaciones sobre arte contemporáneo.
A finales de los años 60 adquiere una nueva identidad al cambiar su nombre Waltraud por Valie y desprenderse de los apellidos del padre y del esposo para apropiarse de una popular marca de cigarrillos de bajo precio, Smart Export. Emancipada de toda sumisión masculina se reafirma en la escena artística centroeuropea dominada en ese momento por el accionismo vienes.
"Tap and Touch Cinema" se llevó a cabo en diez ciudades europeas entre 1968-1971. En este revolucionario trabajo, la artista lleva ceñido a su torso desnudo un pequeño cine con una cortinilla de modo que sus pechos no pueden ser vistos pero si tocados. Con un altavoz los transeúntes son invitados a acercarse a introducir sus manos durante 30 segundos. La experiencia táctil es lo opuesto al voyeurismo. Esta obra tiene sus raíces en el cine de feria, cuestiona el papel pasivo de la mujer en las películas y reinterpreta la función del público. De forma provocadora confronta la naturaleza privada de la sexualidad con los lugares públicos de sus actuaciones y transgrede la censura pasando por alto normas morales y sociales preestablecidas.
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“La tensión mental que asumo para controlar mis performances es el eje de la acción, no la violencia que la acompaña.”
El artista Chris Burden (Boston, 1946), se hizo muy conocido a principio de los años 70 a través de sus performances profundamente trasgresoras en las que la idea del peligro personal como expresión artística fue central. Después de 1975 tras ejecutar casi setenta performances diferentes comenzó un período en el que creó instalaciones y esculturas que cuestionan la ciencia y la política.
En todo su trabajo existe una preocupación por las formas de poder. En un intento de descomercializar la producción artística, sus acciones cuidadosamente construidas son una mezcla de concepto, desarrollo y el resultado. El uso de la violencia en su obra además de reflejar a nuestra sociedad es un mecanismo físico que utiliza el artista para controlar el destino, generalmente incontrolable.
En Shoot (1971) pidió a un amigo que le disparara en el brazo izquierdo desde una distancia de 5m. Preocupado por la intromisión de los medios de comunicación la acción se desarrollo en un ambiente privado. El publico conformado únicamente por algunos amigos artistas juega un papel relevante. La proximidad incitaba a evitar el suceso sin embargo los observadores como conocedores del arte que además comprendían sus intenciones, tuvieron que suprimir sus instintos y participar en la violencia. Elegante y precisa, esta obra de la que apenas quedaron unas cuantas fotografías, aunque minuciosamente planeada no estaba exenta de peligro. A pesar de su sencillez y brevedad, toca la misma esencia de la vida y casi cuarenta años después sigue siendo controvertida. Mientras las pistolas existan será recordada.
