Belleza trágica

"El arte tiene un poder enorme: tiene el poder de devolver al dominio de la vida, al dominio de la humanidad, la vida que ha sido profanada "

Doris Salcedo nació en 1958 en Bogotá, dónde vive y trabaja. En su trabajo se abordan temas relativos a la violencia política, el trauma cultural colectivo, el abandono y la memoria.

Sus esculturas se basan en la transformación de objetos domésticos. Sus muebles encementados son testigos mudos de la violencia en su país natal. Aunque la mayor parte de su obra se basa en el conflicto colombiano, ella nos advierte que "le puede pasar a cualquiera de nosotros, a cualquiera en el mundo". Estas piezas, relacionadas con personas desaparecidas, perseguidas, desplazadas, representan "la ausencia pura" y son producto de largas investigaciones y de entrevistas con los sobrevivientes. Su objetivo es convertir las experiencias privadas de las víctimas en experiencias colectivas, de manera que no pierdan su dimensión social.

En La bienal de Estambul de 2003, presentó en el barrio de Karakoy esta impactante instalación en la que 1550 sillas de madera entrelazadas llenan el espacio vacío de un solar. Una obra monumental no exenta de connotaciones violentas. Ya un año antes había instalado 250 sillas en la fachada del palacio de justicia de Bogotá como respuesta a aquellos que fueron asesinados en una fallida guerrilla siete años atrás. Estos objetos cotidianos, convertidos ahora en espectros, son contundentes metáforas visuales que hablan de ausencias y desgarros en nuestra memoria colectiva.
         

El viaje épico de una jirafa

"The Zoo Story es un modelo narrativo: la historia de una jirafa que tu puedes continuar."

Una jirafa llamada Brownie de nueve años de edad y originaria de Sudáfrica, vivía en el único zoológico existente en la ocupada Cisjordania, hasta que en 2002 fue victima junto a otros animales de un ataque israelí durante la segunda Intifada. Disecada de forma amateur por un veterinario permanece desde entonces con cierto aire de peluche en un edificio anexo.

El viaje épico de Brownie desde Qalqiliyah, ahora aislada por la valla de seguridad, hasta la documenta Kassel en 2007 recrea los viajes de otras muchas jirafas vivas que llegaron a  Europa; como la que en 1220 fue traída a Alemania en la comitiva de Federico II, o la jirafa masai que llegó a París en el verano de 1827 regalo del virrey otomano de Egipto.

Peter Friedl en The Zoo Story intenta romper la uniformidad de las imágenes de los medios de comunicación. Preocupado por la configuración social, política, cultural y estética del poder, en muchos de sus trabajos desarrolla estrategias artísticas para desarmarla. El objeto final de la jirafa es una representación emocional y atípica del conflicto político en Cisjordania. Una narrativa distinta, alejada de estereotipos, que comienza con la milagrosa metamorfosis de la jirafa muerta en una idea y de forma abierta continúa en la red:

www.thezoostory.de
    

Memoria de los lugares vacíos

"Cuando yo me aproximo a un lugar nuevo lo que intento es aprender lo máximo sobre ese lugar, no tanto para transformarlo sino para que el propio lugar me transforme a mí"

Lara Almarcegui (Zaragoza, 1972) estudio Bellas Artes en Cuenca y desde hace años vive  y trabaja en Rótterdam. A través de su obra examina los procesos de transformación de las ciudades. Se interesa por aquellos rincones urbanos baldíos, reocupados, o a punto de desaparecer y que ella admira. Su obra critica determinada concepción del urbanismo. A través de ella explora el concepto de lugar que no debe confundirse con el de paisaje, ni con el de naturaleza. Su objetivo es cambiar la conciencia del espectador, hacerle visible lo que ella denomina lugares vacíos, sin un uso definido o definitivo.

Su modo de trabajo es realizar un proyecto que afecte a un lugar.  Lleva a cabo un proceso de conocimiento y desarrollo sobre el asunto elegido que transforma su mirada. Recoge y documenta datos históricos, geográficos, sociológicos y ecológicos del lugar,  entrevistándose a menudo con expertos y profesionales técnicos. Durante la exhibición descubre al espectador realidades de las que apenas es consciente. Sus proyectos excluyen toda utilidad práctica y a menudo requieren de un gran esfuerzo para lograr un resultado mínimo.

En la montaña de escombros de 2005, la artista interviene en una casa de Saint Truiden (Bélgica) que iba a ser demolida. Acordó con la empresa que realizo el trabajo, guardar los escombros. Durante la exposición los restos fueron colocados de nuevo en el solar al que pertenecieron. Donde antes había una casa, ahora había una montaña de escombros de la casa. Una escultura compuesta de materiales molidos en la que lo importante es el volumen y su escala. "Me gusta pensar en una receta de cocina de una tarta, pero con un edificio" nos aclara. Un proyecto sobre el pasado y futuro de un edificio. En definitiva son sólo ruinas, pero ruinas formadas con estratos de recuerdos.
  

Flujos de hormigón

"Son las cosas que no conocéis, las que os cambiarán la vida". Wolf Vostell

A quince kilómetros de Cáceres, en la población de Malpartida se encuentra uno de los museos más insólitos y desconocidos que existen. Inaugurado en 1976 en un antiguo lavadero de lanas del siglo XVIII, el Museo Vostell está dedicado a  Fluxus.

Fluxus es un movimiento creado en 1962 por George Maciunas. Reunió a más de medio centenar de artistas plásticos, músicos, poetas y performers bajo consignas cercanas al dadaísmo que buscaban la ruptura total con las formas utilizadas y proclamaban el reconocimiento del antiarte.

El artista alemán Wolf Vostell es una figura fundamental del arte contemporáneo europeo de posguerra, creador del "happening",  pionero del video arte, miembro de Fluxus, escultor y pintor. A mediados de los años 50 viaja a París y acuña el término "Dé-coll/age", que aplicaría a obras sonoras, visuales y acciones. Ya en la década de los 70 comenzó a utilizar el hormigón como base de sus nuevas obras. Son especialmente conocidos sus hormigonados de automóviles. Es entonces cuando se enamora de Mercedes natural de Malpartida, con la que se casa. Cuando el artista conoció el paraje Los Barruecos lo proclamó "Obra de Arte de la Naturaleza". Fue aquí que concibió la idea de crear un museo de vanguardia, un lugar de encuentro del Arte y la Vida. Desde entonces residió entre Berlín y Malpartida y hasta su muerte se dedico de manera entusiasta a este proyecto.

El Museo Vostell se compone del legado Wolf y Mercedes Vostell, además de la Colección Fluxus, donada en 1996 por Gino di Maggio integrada por doscientas cincuenta obras (entre instalaciones, objetos, partituras etc.) de artistas vinculados al movimiento Fluxus como Maciunas, Kaprow, Yoko Ono, Brecht o Nam June Paik. Finalmente hay una colección de artistas conceptuales españoles, portugueses y polacos.
         

¿Son los animales personas?

Oso: -¿Qué significa ese disparate?
Rata: Pero, ¿es que no entiendes? El mundo es de los ambiciosos. Iremos al mundo del arte, parece que ahí se está cociendo algo… - Acción – cultura – ¡dinero!
Oso: ¿Hay trabajo?
Rata: No, dinero
Oso: Pero, ¿Cómo?
Rata: ¿Con…engaño? ...en el mundo del arte…, nos forraremos y haremos como los demás. Sólo que mucho mejor. Es verdad que no entendemos ni jota de eso, pero todo se andará…, haremos un viajecito de estudios”

Los artistas suizos Peter Fischli (1952) y David Weiss (1946) comenzaron a trabajar juntos a finales de los años 70. Sus trabajos, centrados en las cosas banales de la vida, son enormemente irónicos y escépticos. Con humor cuestionan la realidad, lo que ha llegado a ser el arte y nuestro papel como espectadores. Sus obras construidas artesanalmente con materiales pobres están llenas de sinceridad. Desde su participación en la documenta 8 son conocidos internacionalmente. Sus videos se exhiben en los museos más importantes del mundo.

En 1981 crean a partir de unos disfraces encontrados en un estudio de Hollywood, a los personajes Oso y Rata que protagonizaran diversas películas rodadas en 16mm. Estos animales representan bien a las personas, como si de una fábula moderna se tratase. La sencillez es solo aparente y detrás hay una cuidadosa preparación. Los diálogos se graban en un estudio con actores y la música creada por el compositor Stephan Wittwer, tiene gran importancia.

En la primera película “La menor resistencia” de 1981, Oso y Rata están en Los Ángeles y son amigos mal avenidos. Ambos deciden hacerse artistas, luego detectives y finalmente filósofos con la única motivación de hacerse ricos y famosos.

Una segunda entrega "El camino correcto" de 1983, transcurre en los Alpes suizos. Los dos compañeros habrán de sobrevivir en la naturaleza superando sus diferencias y sufriendo las adversidades pero también disfrutando del paisaje y de su mutua compañía.

La última película “Oso y Rata” de 2008 es una crítica a la alta cultura, está filmada en el Palazzo Litta de Milán y en ella estos dos personajes son sometidos a constantes cambios de tamaño.

Tiempo muerto

Claire Morgan nació en Belfast en 1980. Su trabajo se centra principalmente en el área de la escultura y las instalaciones, aunque el dibujo juega un papel importante en la preparación de las mismas. La artista trabaja frecuentemente con elementos orgánicos y materiales naturales (hojas, semillas, moscas, aves y animales) que coloca cuidadosamente suspendidos de finos hilos de nylon para representar un instante congelado de tiempo. De manera precisa repite este proceso cada vez que una pieza se exhiben en un lugar diferente.

En las obras de esta artista se plantea el encuentro dramático y conflictivo entre el hombre y la Tierra. Lo más grande es ese intento de sacar a la luz y dar visibilidad al reino oculto de la naturaleza que aparece siempre amenazado y al borde del colapso. Una crítica implícita de como el mundo contemporáneo ha maltratado reiteradamente al mundo natural. Y aunque la catástrofe parece inevitable e inminente, en este tiempo muerto se nos ofrece la posibilidad de reflexionar, de detener la caída y retornar al origen de las cosas.

La obra Fluid de 2009 esta compuesta de un cuervo disecado, anzuelos, nylon y fresas que hay que colocar en el último momento antes de su inauguración. Esta pieza habla de la vida y la muerte y del paso del tiempo. La artista nos la describe así: "Al principio las fresas están frescas y se ven bonitas, pero con el tiempo cambiaran mucho y el pájaro que pasaba desapercibido se convertirá en la parte más llamativa de la obra. Este pájaro ahora disecado murió atropellado por un coche, una de sus alas estaba rota, así estaba cuando lo encontré y así aparece en esta obra."

                      

La copia de una copia de una copia

 

"Una memoria de un tiempo o un lugar no es ese tiempo o ese lugar"

Thomas Demand (Munich, 1964) trabaja con imágenes de sucesos publicadas en la prensa y que forman parte de la memoria colectiva.  Primero reconstruye el lugar en papel y cartón eliminando textos, detalles banales y personas. Después lo fotografía de nuevo cuidando especialmente la  iluminación. Por último la maqueta es destruida. Se convierte de este modo en pintor, escultor, fotógrafo y narrador. 

Todo acontecimiento no es sino simulacro, copia de una copia capaz de ser re-producido a un ritmo endemoniado. Lo que hace el artista es algo más que una recreación. "Es más lo que no está, lo que queda disuelto en el proceso, que lo que queda aún como residuo representable". En su trabajo se plantean aspectos relacionados con la verisimilitud, la fiabilidad de nuestra percepción y se cuestiona el modo en como el espectador se enfrenta a la verdad.

En Embassy de 2007 recrea distintos espacios de la Embajada de Nigeria en Roma, asaltada en extrañas circunstancias en 2001 y en la que desaparecieron sellos oficiales e impresoras.  Es en este lugar en el que supuestamente se encontraron varios documentos relativos al contrabando de uranio, que el Gobierno de EE.UU. utilizó dos años después para justificar la invasión de Irak.

Aquel que lee los días

La obra del artista conceptual On Kawara está asociada a la noción de tiempo. Una fecha señala momentos importantes en las vidas de cada uno, de sus seres queridos o de su comunidad. Su obra marca los días que ha vivido y se articula en torno a un puñado de series creativas que no tienen fin.

Apenas sabemos de este japonés residente en Nueva York. El artista viaja constantemente por todo el mundo puesto que considera el hecho de desplazarse como una forma de conocimiento. No da entrevistas,  jamás asiste a las inauguraciones y no existen fotos de él. La única biografía aparecida en un catalogo de una exposición de 1974 dice escuetamente: "On Kawara, artista japonés, 25.712 días."

Uno de sus trabajos más personales es "I got up", que desarrolla de forma continuada entre 1968 y 1979. Cada día envió a dos amigos una tarjeta postal con un sello marcando la hora exacta en que se levantó. La frecuencia de recepción fue irregular llegando a veces una de vez en cuando y otras veces cientos seguidas. Las tarjetas van dejando un rastro de su deambular por el mundo así como un registro de horas dispares.

Podría parecernos esta obra absolutamente banal. Pero es precisamente este vacío que lo contiene todo. No hay nada más significativo que el tiempo mismo y la memoria de su transcurrir. De forma sencilla y elegante, Kawara crea una compleja meditación sobre el tiempo, la existencia y la relación entre el arte y la vida.

Equilibrio inestable

"Una galería es una estructura de poder. Mi trabajo tiene una actitud crítica frente a ese poder. Esto es lo que yo llamo la política en mi trabajo".

Desde Rumania,  el artista minimalista y conceptual André Cadere llegó a París en los años 60. Su obra básicamente consiste en unas 180 barras de madera circulares, creadas en su totalidad en los últimos ocho años de su corta carrera como artista.  La barra puede estar en cualquier lugar que el artista desee y  llevándosela  al hombro, la liberó de los confines del espacio de la galería. Esta condición nómada de sus obras le permitió probar otros modos de funcionamiento del mundo del arte.

Crítico con la perfección idealista de los objetos fabricados, él realizaba cada pieza de forma manual. A pesar de su apariencia humilde, la producción de las barras se basó en un sistema de combinaciones matemáticas que implica una interacción cuidadosamente calculada de color y de error a nivel de los segmentos cilíndricos que componen cada pieza. Su trabajo cuestiona el poder de la galería de arte y supone un esfuerzo por lograr la independencia y autonomía con respecto a las instituciones oficiales del arte.

Su prematura muerte en 1978 lo ha colocado en un lugar marginal en el mundo del arte. Esta falta parcial de reconocimiento es, sin duda debida a su condición de emigrado desde un país comunista pero también a la feroz crítica que practicó de los límites del sistema del arte, negándose siempre a dejarse absorber por su mecanismo.